2022 / 3
Московский Союз художников. Взгляд из XXI века. Книга вторая
Аннотация
В рецензии на книгу Б.И. Иогансона «Московский Союз художников. Взгляд из XXI века. Книга вторая» (2021) рассматривается концепция автора, освещающая одну из составляющих институционального существования изобразительного искусства в позднесоветский период (1962–1980-е гг.) на примере ведущей творческой организации – Московского союза художников, и отражения творческих процессов этого периода в современной ему критике и последующих аналитических трудах, посвященных советскому искусству.
Abstract
In the review of the book “Moscow Union of Artists. View from the XXI century. Book two” (2021) by B.I. Ioganson we examine the author’s concept regarding the particular component of the institutional existence of fine arts in the late Soviet period (1962 – 1980s) using the Moscow Union of Artists as an example and reflecting the creative processes of this period in contemporary criticism and subsequent analytical studies of Soviet art.
Для цитирования:
Тулузакова Г.П. Московский Союз художников. Взгляд из XXI века. Книга вторая // Academia. 2022. № 3. С. 350–357. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-3-1-350-357
Фотограф Николай Андреев. Мастер пикториализма
Аннотация
Статья посвящена первой монографической выставке фотографа и художника Николая Платоновича Андреева (1882–1947), состоявшейся в Государственной Третьяковской галерее осенью 2021 года.
Abstract
The article is dedicated to the first monographic exhibition of photographer and artist Nikolai Platonovich Andreev (1882–1947) held at the State Tretyakov Gallery in autumn 2021.
Для цитирования:
Чмырева И.Ю. Фотограф Николай Андреев. Мастер пикториализма // Academia. 2022. № 3. С. 358–366. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-3-1-358-366
2022 / 2
Художник вне стиля
Аннотация
Тематическая серия статей «Художник вне стиля» авторов Артамоновой М.М., Арутюнян Ю.И., Карева А.А., Кистеневой С.В., Моисеевой С.В., Павловой Н.В., Усачевой С.В., Чуйко Л.В., посвящена исследованию различных аспектов отечественной художественной культуры от эпохи Просвещения до модерна все стилевой принадлежности.
Abstract
The thematic series of articles “Artist is beyond style. Introduction” by the authors Artamonova M.M., Arutyunyan J.I., Kareva A.A., Kisteneva S.V., Moiseeva S.V., Pavlova N.V., Usacheva S.V., Chuiko L.V., is devoted to the study of various aspects of national artistic culture from Enlightenment to Modernity of outside of style affiliation.
Для цитирования:
Усачева С.В. Художник вне стиля // Academia. 2022. № 2. С. 141–142. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-2-1-141-142
Живописец и скульптор в России XVIII века. Проблемы взаимодействия
Аннотация
Обращение к проблемам взаимодействия живописца и скульптора в России XVIII века мыслится как часть более общей темы, посвященной межвидовым контактам живописи и скульптуры в эпоху Просвещения. Отношение в обществе к разным видам искусства распространялось и на их представителей. Единым полем нередко был интерьер, когда живописец-монументалист и скульптор-декоратор являлись соавторами изобразительной части ансамбля. С открытием Академии художеств актуальными становятся темы иерархии знатнейших художеств и профессиональной миссии представителей каждого из видов изобразительных искусств. Одновременно в пособиях и художественных трактатах обсуждаются пути решения общих для живописца и скульптора задач, необходимость совместных усилий в воспроизведении убедительных примеров героизма ради Славы Российской и добродетельного бытия.
Abstract
Consideration of the interaction issues between painter and sculptor in 18th century Russia is perceived as part of the connections between painting and sculpture in the Age of Enlightenment. The way in which society values the importance of different kinds of art was passed on to their representative artists themselves. Since the beginning of the 18thcentury, new opportunities for cooperation developed, including in secular decorative theme, where muralist and sculptor-decorator were co-authors of the visual part of the ensemble. With the opening of the Academy of Fine Arts, the issues of hierarchy of the most notable arts and the professional mission of representatives of each of the types of fine arts became essential. At the time, manuals and art treatises dealt with ways to resolve tasks common to painter and sculptor, the need for joint efforts to reproduce convincing examples of heroism for the sake of Russian Glory and virtuous existence.
Для цитирования:
Карев А.А. Живописец и скульптор в России XVIII века. Проблемы взаимодействия // Academia. 2022. № 2. С. 143–151. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-2-1-143-151
Ключевые слова
Образа Ивана Ивановича Бельского для церкви Рождества Христова на Песках в Санкт-Петербурге. Не ранее 1789 – не позднее 1792
Аннотация
В феврале – марте 2020 года в Русском музее была открыта выставка «Художники Бельские», приуроченная к 300-летию Ивана Ивановича Бельского (6 января 1719 – 13 января 1799) и 290-летию его младших братьев – Алексея Ивановича (1729 – 21 мая 1796) и Ефима Ивановича (1730 – 28 ноября 1778) Бельских. Выставка стала одной из первых попыток обращения к творчеству почти забытых художников XVIII столетия.
На выставке впервые экспонировались образа, исполненные Иваном Бельским для церкви Рождества Христова на Песках в Санкт-Петербурге. В процессе подготовки к выставке были обнаружены документы, позволившие воссоздать историю всех трех иконостасов Рождественской церкви, доказать авторство Ивана Бельского в написании иконостаса придела Рождества Богородицы и главного Рождественского иконостаса, а также выявить историю бытования образов после перестройки церкви Рождества Христова в середине XIX века. Ведущим реставратором Русского музея Н.Е. Романовой была проведена масштабная реставрация почти всех произведений живописцев Бельских из собрания Русского музея.
Abstract
In February – March 2020 in the Russian Museum an exhibition was opened, called “The Belsky Artists”, dedicated to the 300th anniversary of Ivan Ivanovich Belsky (January 6, 1719 – January 13, 1799) and the 290th anniversary of his younger brothers – Alexey Ivanovich (1729 – May 21, 1796) and Efim Ivanovich (1730 – November 28, 1778) Belsky. The exhibition was one of the first attempts to deal with the works of almost forgotten artists of the 18th century.
The exhibition for the first time presented images executed by Ivan Belsky for the Church of the Nativity of Christ on Peski (on Sands) in St Petersburg. Preparing for the event, the researchers discovered that allowed to recreate the history of all three iconostases of the Nativity Church, to prove the authorship of Ivan Belsky in creating the iconostasis of the Nativity of the Virgin and the Nativity (Rozhdestvensky) main iconostasis, as well as to reveal the history of the existence of images after the reconstruction of the Church of the Nativity in the middle of the 19th century.
Almost all of Ivan Belsky’s oeuvres from the collection of the Russian Museum were fully restored by the leading specialist Natalia Romanova, which undoubtedly helped to develop a more precise understanding of the painter’s artistic manner.
Для цитирования:
Моисеева С.В. Образа Ивана Ивановича Бельского для церкви Рождества Христова на Песках в Санкт-Петербурге. Не ранее 1789 – не позднее 1792 // Academia. 2022. № 2. С. 152–163. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-2-1-152-163
Гавриил Сергеев. Виды Стамбула 1793–1794 годов в собрании Угличского музея
Аннотация
Двенадцать акварелей топографа и видописца Гавриила Сергеева из Угличского музея написаны во время его службы в составе Чрезвычайного посольства М.И. Кутузова в Стамбул (1793–1794). Четыре из них стали дополнением к отчетной карте с отметками разведывательного характера. Вместе с тем акварели имеют бесспорное художественное значение и свое место в русле развития отечественного пейзажа. Соединение служебных задач и заданного ими пленэрного подхода с опытом освоения академической традиции и живым увлечением Востоком делают работу художника чрезвычайно привлекательным для пристального изучения объектом.
Abstract
Twelve watercolours by the topographer and videographer Gavriil Sergeev from the Uglich Museum were made during his serving in the Extraordinary Embassy of M.I. Kutuzov to Istanbul (1793–1794). Four of them were added to the report card with the marks of intelligence nature. At the same time these watercolours are of remarkable artistic significance. Their role in the development of the Russian landscape is indisputable. The combination of official tasks and the plein air approach set by them with the experience in mastering the academic tradition and passion for everything East make the artist's work an extremely attractive object for the close study.
Для цитирования:
Кистенева С.В. Гавриил Сергеев. Виды Стамбула 1793–1794 годов в собрании Угличского музея // Academia 2022. № 2. С. 164–174. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-2-1-164-174
Ключевые слова
Проблема стилей в творчестве Козроэ Дузи (1808–1859)
Аннотация
Творческое наследие венецианского живописца Козроэ Дузи вобрало в себя все ведущие стили и стилистические тенденции искусства 40-x – 50-x годов XIX века. Работавший в Италии, Мюнхене и Санкт-Петербурге, мастер создавал камерные и парадные портреты. Исторические полотна художника вобрали черты классицизма и романтизма с его особым интересом к средневековой истории. В натурных штудиях и рисунках очевидно влияние системы академического художественного образования. Немногочисленные пейзажи Дузи тяготеют к романтической концепции одухотворенной природы. Мастер создает ряд монументальных работ в Исаакиевском соборе в Санкт-Петербурге, техника и иконографическое решение которых указывают на внимание к русской национальной традиции. В творчестве Дузи академическая выучка, тенденции классицизма и романтического историзма находятся в сложном комплексном диалоге.
Abstract
The creative heritage of the Venetian Cosroe Dusi accumulated all the leading artistic styles of the second quarter –middle of the 19th century. Working in Italy, Munich and St Petersburg, the painter created intimate and formal portraits. His historical canvases have absorbed the features of classicism and romanticism with special interest in medieval history. The few landscapes of Cosroe Dusi are close to the romantic concept of spiritualized nature. In sketches from nature and drawings, the influence of the academic art education system is obvious. He also created a number of monumental works in St Isaacʼs Cathedral, and his technique and iconographic solutions indicate an interest in the Russian national tradition. Academic training, classicism, romanticism, historicism are mixed in Dusi’s heritage in complex stylistic dialogue.
Для цитирования:
Арутюнян Ю.И. Творчество Козроэ Дузи (1808–1859) в контексте проблематики стилей в русском искусстве XIX века // Academia. 2022. № 2. С. 175–184. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-2-1-175-184
Гравер И.П. Пожалостин (1837–1909) как мастер портрета
Аннотация
Статья посвящена портретному творчеству гравера на меди И.П. Пожалостина. Рассматриваются произведения 1860–1880-х годов, созданные вначале под сенью Академии художеств, затем для Общества поощрения художников, издателей книг и журналов, коллекционеров. Это галерея русских людей от А.С. Хомякова и Н.А. Некрасова до императрицы Марии Федоровны и М.Т. Лорис-Меликова. Большое внимание уделено художественным особенностям гравированных портретов в эпоху реализма, когда начали репродуцировать фотографии, а также культурно-бытовому контексту: отношениям И. П. Пожалостина с заказчиками, условиям и срокам его работы. Привлечен широкий архивный материал, в частности, переписка гравера с собирателями П.А. Ефремовым и С.П. Виноградовым.
Abstract
The article is devoted to the portrait artwork of the engraver on copper I.P. Pozhalostin. It focuses on his works of the 1860–1880s, created first under the protection of the Academy of Arts, then for the Society for the Encouragement of Artists, publishers of books and magazines, and collectors. This is a whole gallery of Russian faces, from the poet Nikolay Nekrasov to Empress Maria Feodorovna. Along with an overview of the artistic features of the realistic engraved portraits by Ivan Pozhalostin, much attention in the article is paid to the cultural and everyday context – relations with customers, conditions and terms of his work. A wide range of archival material has been involved, for instance, the engraver’s correspondence with collectors P.A. Efremov and S.P. Vinogradov.
Для цитирования:
Павлова Н.В. Гравер И. П. Пожалостин (1837–1909) как мастер портрета // Academia. 2022. № 2. С. 185–200. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-2-1-185-200
Стилистический симбиоз как основа художественного метода Е.В. Честняков
Аннотация
В статье прослеживается связь иконографической системы Е.В. Честнякова (1874–1961) с североевропейской романтической традицией конца XIX века, в частности с творчеством шведской художницы Викен фон Пост Бёрьесон Тоттен (1886–1950). Тематика работ Честнякова строится на фольклоре и этнографии родного Кологривского края, а пластический метод основывается на канонах неоромантического искусства. Примитивизм, выбранный как вектор творческого пути, объединяет два этих начала и порождает стилистический симбиоз, который и становится основой художественного метода Честнякова на многие годы.
Abstract
The article traces the connection between the iconographic system of Efim Vasilievich Chestnyakov’s artworks and the Northern European Romantic tradition of the late 19th century, in particular the artworks by the Swedish artist Vicken von Post Börjeson Totten. The researcher concludes that the themes of Chestnyakov’s works are based on the folklore and ethnography of his native Kologriv region, and his visual method is rooted in the principles of neo-romantic art. These two lines are connected through the primitivist approach that is chosen as a vector of a creative path. This approach gives rise to stylistic symbiosis which becomes the basis of the author’s artistic method.
Для цитирования:
Артамонова М.А. Стилистический симбиоз как основа художественного метода Е.В. Честнякова // Academia. 2022. № 2. С. 201–210. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-2-1-201-210
Ключевые слова
Домовая резьба как поле взаимодействия народного творчества и искусства «больших» стилей
Аннотация
Статья посвящена вопросу взаимодействия народного творчества и профессионального искусства в городской культуре второй половины XIX – начала XX века. На примерах домовой резьбы западносибирских городов (Тюмень, Тобольск, Тара, Томск, Барнаул, Омск, Курган, Новосибирск) автор рассматривает использование элементов стилевой архитектурной декорации каменных зданий в резном декоре деревянной застройки. Отмечается, что чаще всего мастера-резчики обращались в качестве источников к стилям барокко, русскому стилю Ропета-Гартмана и модерн, перерабатывали их декоративные мотивы и создавали резные композиции, отмеченные оригинальностью и высоким качеством исполнения.
Abstract
The article is dedicated to the interaction between professional art and folk art in the city culture of the second half of the XIX – the beginning of the XX century. Choosing as an example the wooden houses preserved in West Siberian cities (Tyumen, Tobolsk, Tara, Tomsk, Barnaul, Omsk, Kurgan, Novosibirsk) the author examines the use of decorative stylistic features of stone buildings in wooden architecture constructed as part of mass city development. It is accentuated that master craftsmen often turned for inspiration to Baroque, Art Nouveau and Russian Ropet-Gartman styles, transforming their decorative motives and creating carved compositions marked by originality and high quality of workmanship.
Для цитирования:
Чуйко Л.В. Домовая резьба как поле взаимодействия народного творчества и искусства «больших» стилей // Academia. 2022. № 2. С. 211–219. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-2-1-211-219
«Сельские праздники» Ивана Танкова
Аннотация
Статья посвящена произведениям И.М. Танкова (Тонкова), чье творчество во многом остается загадкой в истории русской живописи последней трети XVIII века. Содержание произведений художника, именуемых «сельские праздники», до сих пор не расшифровано, их стилистические особенности выходят за рамки магистрального развития пейзажного жанра. Связь картин Танкова с усадебной культурой и бытом позволяет предположить первоисточники живописных фантазий художника: театрализованные представления в усадьбах Демидовых в Сиворицах и Тайцах, расположенных неподалеку от Петербурга. Сопоставление работ Танкова и его современника, пейзажиста Семена Федоровича Щедрина показывает стилистическую разнонаправленность пейзажного жанра в эпоху классицизма. Романтические тенденции в видописи перемежаются с традициями буколического ландшафта предшествующих эпох. В статье делается вывод об образной трансформации в работах Танкова живописных образцов и реальных впечатлений в духе искусства барокко.
Abstract
The article is devoted to the works of Ivan Tankov (Tonkov), whose oeuvre remains a mystery in the history of Russian painting of the last third of the 18th century. The content of the artist’s creations, called “rural festivitiesˮ, has not yet been deciphered, as their stylistic features go beyond the mainstream development of the landscape genre.
The connection of Tankov’s paintings with the manor culture and everyday life of a country estate suggests as the primary sources of the artist’s pictorial fantasies: the theatrical performances in the Demidovs estates Sivoritsy and Taitsy, located not far from St Petersburg. Comparison of the works by Tankov and by his contemporary, the landscape painter Semion Shchedrin, shows the stylistic multidirectionality of the landscape genre in the era of classicism. Romantic tendencies in scenery painting are intertwined with traditions of a bucolic landscape.
The article concludes that in Tankov’s works pictorial models and real-life impressions are fused together in the spirit of Baroque art.
Для цитирования:
Усачева С.В. «Сельские праздники» Ивана Танкова // Academia. 2022. № 2. С. 220–228. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-2-1-220-228
Мировая художественная культура XXI века. Предметно-пространственная среда и проблемы культурной идентичности
Аннотация
Статья подводит итоги Международной научно-практической конференции «Мировая художественная культура XXI века. Предметно-пространственная среда и проблемы культурной идентичности», прошедшей онлайн 22–23 октября 2021 г. Показаны истоки научной проблематики конференции, отмечены важнейшие ее итоги. Одна из центральных задач конференции сводилась к попытке вычленить из множества подходов творческие основы проектирования новых форм материально-предметного окружения и связанных с ними эстетических идеалов и культурной идентичности. В статье дана краткая характеристика подготовленного по итогам конференции сборника научных трудов, приведен краткий обзор прозвучавших докладов.
Abstract
The article sums up the results of the International Scientific and Practical Conference “World Artistic Culture of the 21st Century. Object-Spatial Environment and Problems of Cultural Identity”, held online on October 22–23, 2021. The origins of the scientific problems of the conference are shown, its most important results are noted. One of the main goals of the conference was to try to select the creative foundations of designing new forms of material-subject environment and related aesthetic ideals and cultural identity from a variety of approaches. The article gives a brief description of the collection of scientific papers published as a result of the conference, and a brief overview of the presentations made.
Для цитирования:
Сазиков А.В. Мировая художественная культура XXI века. Предметно-пространственная среда и проблемы культурной идентичности // Academia. 2022. № 2. С. 229–239. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-2-1-229-239
Международная научная конференция «Пейзаж в русском искусстве второй половины XIX – начала XX века. Эволюция жанра»
Аннотация
В статье дается краткий аналитический обзор целей и итогов Международной научной конференции «Пейзаж в русском искусстве второй половины XIX – начала XX века. Эволюция жанра». Главная задача научного мероприятия состоит в отслеживании изменений образного строя пейзажного жанра под влиянием стилистических и эстетических тенденций времени. Актуальность концепции подчеркивается многоаспектностью проблематики, давно не поднимавшейся на уровне масштабных научных дискуссий, а так же в связи с 150-летием со дня рождения Витольда Каэтановича Бялыницкого-Бирули (1872–1957) и проведением в Музейно-выставочном комплексе Российской академии художеств персональной экспозиции мастера (18 мая – 26 июня 2022 года), инициированной Национальным художественным музеем Республики Беларусь.
Abstract
The article is a brief analytical review of the aims and results of the International scientific conference “Landscape in Russian Art in the Second Half of the 19th and Early 20th Centuries. Evolution of the genre”. The main aim of this academic event was to trace the changes in the imagery of the landscape genre under the influence of the stylistic and aesthetic trends of the time. The concept of the conference was not only relevant due to the multifaceted nature of the issue, which has not been discussed on a large scale for a long time, but also due to the connection with other significant events of the year – the 150th anniversary of Vitold Kaetanovich Byalynitsky-Birulya (1872–1957) and holding a personal exhibition of the master (May 18 – June 26, 2022) in the Museum and Exhibition Complex of the Russian Academy of Arts initiated by the National Art Museum of the Republic of Belarus.
Для цитирования:
Давыдова О.С. Международная научная конференция «Пейзаж в русском искусстве второй половины XIX – начала XX века. Эволюция жанра» // Academia. 2022. № 2. C. 240–246. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-2-1-240-246
Ключевые слова
2022 / 1
Александр Бенуа о русском искусстве XVIII века
Аннотация
Александр Бенуа, подобно другим критикам и историкам искусства, прямо или косвенно связанным с объединением «Мир искусства», стоит у истоков открытия русской художественной культуры XVIII века как полноценного творческого наследия. В этом смысле взгляды Бенуа и его единомышленников находились в оппозиции к господствующему во второй половине XIX века мнению, что русское искусство, начиная с петровских времен и, практически, до кризиса классицизма представляет собой перерыв в развитии и печальный образец бессмысленного подражания Западу. Отчетливо эта мысль прозвучала и в трудах рубежа веков, что особенно заметно в работах А.П. Новицкого и В.В. Стасова. Бенуа противопоставляет этому мнению свою концепцию, основываясь в целом на признании высокой значимости искусства как такового независимо от ценности его служебных функций. Эта концепция нашла яркое воплощение в трудах «Русская живопись XIX века» и «Русская школа живописи», в которых А.Н. Бенуа дает емкую и выразительную характеристику изобразительного языка русских и иностранных мастеров портрета, пейзажа и исторической картины. Признавая русское искусство этого времени, по сути, общеевропейским, он, тем не менее, не оставляет без внимания проблему национальной специфики.
Abstract
Alexander Benois, like other critics and art historians directly or indirectly associated with the World of Art association, stands at the origins of the discovery of Russian 18th century art culture as a full-fledged creative heritage. In this sense, the views of Benoit and his associates were in opposition to the opinion, prevailing in the second half of the 19th century, that Russian art, starting from the Petrin time and, practically, until the crisis of classicism, represents a break in development and a sad example of senseless imitation of the West. This idea was clearly expressed in the works at the turn of the century, which is especially noticeable in the works of A.P. Novitsky and V.V. Stasov. To this opinion Benoit opposes his concept, based on the recognition of the high importance of art as such, regardless of the value of its official functions. This found a vivid embodiment in his works “Russian Painting of the 19th century” and “The Russian School of Painting”, where A.N. Benois gives a succinct and expressive description of the visual language of Russian and foreign masters of portrait, landscape and historical painting. While recognizing the Russian art of this time as essentially pan-European, he nevertheless does not ignore the problem of national specifics.
Для цитирования:
Карев А.А. Александр Бенуа о русском искусстве XVIII века // Academia. 2022. № 1. С. 7–16. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-1-1-7-16
Александр Бенуа о французской живописи XVIII столетия
Аннотация
Статья посвящена роли Александра Бенуа в изучении французской живописи XVIII века. Интерес Бенуа к этому периоду связан как с особенностями коллекционирования в России, так и с общими тенденциями переоценки французской живописи XVIII века в самой Франции. Бенуа активно пользовался источниками XVIII века и был в курсе новейших достижений истории искусства во Франции.
В статье рассмотрены основные категории, которыми пользовался Бенуа, сочетавший методы знаточества и художественного эссеизма, а также дается анализ языка и терминов, которым он пользовался в своих книгах и статьях.
Abstract
The article summarizes the role of Alexander Benois in the study of French painting of the 18th century. His interest in this period is connected both with the peculiarities of art collecting in Russia and with rediscovery of French painting of the 18th century in France. Benois was well aware of the historical and literary sources of the 18th century as well as of the modern art history in France.
The article examines the main categories used by Benois, who combined the methods of connoisseurship and essayism, and also analyzes the language and terms that he used in his books and articles.
Для цитирования:
Шарнова Е.Б. Александр Бенуа о французской живописи XVIII столетия // Academia. 2022. № 1. С. 17–25. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-1-1-17-25
Уильям Тёрнер: к вопросу об источниках темы радуги в творчестве Константина Сомова
Аннотация
В статье рассмотрен вопрос о влиянии пейзажей Уильяма Тёрнера с изображением радуги на пейзажи Константина Сомова также с изображением радуги конца 1890-х – середины 1920-х годов. Выявлено, что большую роль в его увлечении искусством Тёрнера сыграли непосредственные впечатления от его картин, полученные в Лондоне. Благодаря им Сомова увлекла задача передачи в пейзаже радуги как атмосферного явления. Также выявлены письменные источники - труды Рёскина и Мутера, подготовившие его интерес к этому мастеру еще в Петербурге. Автор пришел к выводу, что Сомова интересовал живописный метод Тернера передачи радуги.
Abstract
The article examines the influence of William Turner's landscapes depicting a rainbow on the landscapes of Konstantin Somov also depicting a rainbow of the late 1890s - mid 1920s. It is revealed that direct impressions from his paintings received in London played a large role in his passion for Turner's art. Thanks to them, Somov was carried away by the task of conveying a rainbow in a landscape as an atmospheric phenomenon. Also revealed are written sources - the works of John Ruskin and Richard Muter prepared his interest in this master back in St. Petersburg.
Для цитирования:
Завьялова А.Е. Уильям Тёрнер: к вопросу об источниках темы радуги в творчестве Константина Сомова // Academia. 2022. № 1. С. 26–33. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-1-1-26-33
Образ Финляндии на выставках «Мир искусства»
Аннотация
Сложные и неоднозначные отношения России и Финляндии на рубеже XIX – ХХ веков отразились и в культурной сфере, в частности на выставках самого «прозападного» художественного объединения России «Мир искусства». Образ финской природы, создаваемый на выставках «Мир искусства», раскрывал поэтическое очарование естественной неяркой красоты северного ландшафта, имеющего общие черты со среднерусским пейзажем. Он способствовал формированию общей культурной целостности, позволяющей исследователям говорить о единых чертах северного варианта стиля модерн, общих как для русского, так и для финского искусства.
Abstract
The complex and ambiguous relations between Russia and Finland at the turn of the 19th and 20th centuries were reflected in the cultural sphere, in particular, at the exhibitions of the most “pro-Western” art association of Russia “Mir Iskusstva” (World of Art). The image of Finnish nature, created at the “Mir Iskusstva” (World of Art) exhibitions, revealed the poetic charm of the natural, dim beauty of the northern landscape, which has common features with the Central Russian landscape. He contributed to the formation of a common cultural integrity, allowing researchers to talk about the uniform features of the northern version of the Art Nouveau style, common to both Russian and Finnish art.
Для цитирования:
Мусянкова Н.А. Образ Финляндии на выставках «Мир искусства» // Academia. 2022. № 1. С. 34–47. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-1-1-34-47
Александр Бенуа и Евгений Лансере – дядя и племянник, друзья, художественные соратники
Аннотация
Статья посвящена истории дружбы и сотрудничества Александра Николаевича Бенуа (1870–1960) и его старшего племянника Евгения Евгеньевича Лансере (1875–1946). Будучи во многом единомышленниками они вместе изучали Санкт-Петербург, его пригороды и Францию. С 1898 года вместе участвовали в групповых выставках, журнальных и книжных проектах. В 1900-х годах работали над оформлением театральных постановок, создали интерьер столовой для выставки «Современное искусство» (1903). Помогали друг другу заказами. В 1915–1917 годах разрабатывали панно для Казанского вокзала и здания Правления Московско-Казанской железной дороги в Москве. В 1927 году во Франции произошла их последняя встреча, но переписка продолжалась до 1946 года (многие фрагменты цитируются впервые).
Abstract
The article is devoted to the history of friendship and cooperation between Alexandre Benois (1870–1960) and his elder nephew Eugene Lanceray (1875–1946). Being like-minded, they explored Saint Petersburg, its suburbs and France. Since 1898, they were participating at group exhibitions and at magazine and book projects. In the 1900s, they worked on the design of theatrical performances, created the interior of the dining room for the exhibition “Contemporary art” (1903). They were helping each other on commissioned artworks. In 1915–1916, they developed monumental panels for the Kazansky railway station in Moscow. Their last meeting took place in France in 1927, but the correspondence continued until 1946 (many fragments of their correspondence were never published before this article).
Для цитирования:
Павлинов П.С. Александр Бенуа и Евгений Лансере – дядя и племянник, друзья, художественные соратники // Academia. 2022. № 1. С. 48–70. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-1-1-48-70
Графические традиции «Мира искусства» в раннем творчестве В.М. Конашевича
Аннотация
Задача статьи – конкретизировать и несколько скорректировать, казалось бы, бесспорное утверждение о приверженности одного из самых плодовитых отечественных художников-иллюстраторов В.М. Конашевича к графической традиции «Мира искусства». Влияние мастеров этого круга особенно наглядно проявилось в раннем творчестве Конашевича (1917–1922). Однако и в этот период художник не был эпигоном корифеев, использовал открытия старших товарищей для решения задач, лежавших вне круга их интересов, искал собственную стилистику. Опыты начинающего иллюстратора сопоставляются в статье с произведениями мэтров прославленного объединения, анализируются их высказывания о работах младшего коллеги, а также суждения Конашевича об эстетике «Мира искусства» и о собственном творческом пути.
Abstract
The purpose of the article is to concretize and somewhat correct the seemingly indisputable statement about the commitment of one of the most prolific Russian illustrators, V.M. Konashevich, to the graphic tradition of the “World of art”. The influence of the masters of this circle was particularly evident in the early work of Konashevich (1917-1922). However, even in this period, the artist was not the epigone of the luminaries, he used the discoveries of his older comrades to solve problems that lay outside the circle of their interests, he was looking for his own style. The article compares the experiences of the novice illustrator with the works of the masters of the famous association, analyzes their statements about the works of a younger colleague, as well as Konashevich's opinions about the aesthetics of the “World of аrt” and about his own creative path.
Для цитирования:
Фомин Д.В. Графические традиции «Мира искусства» в раннем творчестве В.М. Конашевича // Academia. 2022. № 1. С. 71–84. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-1-1-71-84
Ключевые слова
К вопросу о ранней живописи Владимира Татлина
Аннотация
В статье выдвигается тезис о необходимости дополнительного обоснования датировок группы картин В.Е. Татлина из собрания РГАЛИ (Москва), предположительно относимых к концу 1910-х годов. Впервые формулируется гипотеза о возможности их создания в конце 1920-х годов, в связи с чем рассматривается целый ряд «за» и «против». В результате изучения технико-технологических аспектов были выявлены основания для корректировки существующих датировок картин «Натюрморт с дыней» и «Листья ландышей в кувшине». Также на рентгенограмме «Натюрморта с дыней» были обнаружены композиционные изменения, сближающие работу в ее первоначальном варианте с композицией картины Михаила Ларионова «Листья салатного кабачка».
Abstract
The article puts forward the thesis about the need for additional substantiation of the dating of a group of paintings by V.E. Tatlin from the RGALI collection (Moscow), presumably attributed to the end of the 1910s. For the first time, a hypothesis is formulated about the possibility of their creation at the end of the 1920s, in connection with which a number of pros and cons are considered. As a result of the study of technical and technological aspects, grounds were identified for correcting the existing dating of the paintings “Still Life with Melon” and “Lily of the Valley Leaves in a Jug”. Also on the radiograph of “Still Life with Melon” compositional changes were found, bringing the work in its original version closer to the composition of Mikhail Larionov’s painting “Leaves of lettuce squash”.
Для цитирования:
Кочкин С.А. К вопросу о ранней живописи Владимира Татлина// Academia. 2022. № 1. С. 85–95. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-1-1-85-95
Ключевые слова
Античные образы как подтекст в картине Л.С. Бакста «Ужин»
Аннотация
В статье предпринимается попытка дать новую интерпретацию картины Л.С. Бакста «Ужин». Автор утверждает, что и поза, и мимический жест модели являются отсылками к античному образу сфинкса и «архаической улыбке». Версия подтверждается не только через непосредственный анализ позы модели, но и путем контекстуализации мотивов картины в творчестве Льва Бакста и художников его времени. В качестве дополнительного аргумента приводится интерпретация в традиции аналитической психологии Карла Юнга. Образ коварной женщины, по мысли автора, является содержанием «анимы» самого Бакста, структурным компонентом его психики. Эта идея обосновывается на материале биографии художника и на сопоставлении картины «Ужин» с декоративным панно «Древний ужас».
Abstract
The article attempts to give a new interpretation to the painting “Supper” by L.S. Bakst. The author claims that both the posture and the mimic gesture of the model are references to the ancient image of the sphinx and the “archaic smile”. The version is confirmed not only through a direct analysis of the model's posture, but also by contextualizing the motives of the painting in the works of Leon Bakst and the artists of his time. As an additional argument, the interpretation is given in the tradition of Carl Jung’s analytical psychology. The image of an insidious woman, according to the author, is the content of Bakst’s own “anima”, a structural component of his psyche. This idea is based on the material of the artist's biography and on comparing the painting "Supper" with the decorative panel “Terror antiquus”.
Для цитирования:
Котельвас А.Е. Античные образы как подтекст в картине Л.С. Бакста «Ужин» // Academia. 2022. № 1. С. 96–105. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-1-1-96-105
Ключевые слова
Мир детства в журнале «Мир искусства» (1898-1904)
Аннотация
В статье рассматривается то, как раскрывается в журнале «Мир искусства» актуальная для культуры конца XIX начала XX столетий тема детского мира и его взаимосвязи с «Я» художника. Мир детства проявляет себя в виде репродукций, демонстрирующих симпатии издателей к детским образам тех или иных авторов. Изображения мальчиков и девочек появляются как иллюстрации к литературным текстам, в которых говорится о новом искусстве и разладе «детей упадка» с «отцами» – передвижниками и академистами. Детскость как сходство художника с ребенком становится важнейшей характеристикой, которую используют авторы публикаций для утверждения мысли о новаторстве и оригинальности.
Abstract
The article is devoted to the peculiarities of the functioning of the theme of childhood and its relationship with the inner world of artists of the late XIX – early XX centuries in the journal “World of Art”. The author believes that the children's topic in the magazine was expressed in various forms. The children’s theme is presented in the form of reproductions that demonstrate the publishers’ sympathy for the images of the children of certain artists. Children's images appear as illustrations for the Literary Department. In the location and content of images with children, there is a connection with the text, which refers to the “modern art” and the dispute between modern artists and the previous generation of authors. The resemblance of the artist to the child also became the most important characteristic for affirming his innovation, proximity to the views and tastes of the creators of the magazine.
Для цитирования:
Абдуллина Д.А. Детский мир на страницах журнала «Мир искусства» (1898-1904) // Academia. 2022. № 1. С. 106–120. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-1-1-106-120
Книги Александра Николаевича Бенуа в Научной библиотеке ГМИИ имени А.С. Пушкина
Аннотация
В 2019 году в фонде Научной библиотеки ГМИИ имени А.С. Пушкина было выявлено 25 книг, ранее принадлежавших А.Н. Бенуа. Они были проданы музею в 1935 г. Е.Е. Лансере. Большинство книг имеют на полях многочисленные пометы, сделанные А.Н. Бенуа на немецком и французском языках. Характер помет демонстрирует процесс творческого осмысления текста и эрудицию их автора. Коллекция книг Бенуа осенью 2020 г. была дополнена «Автобиографией» В. Тишбейна (Берлин, 1922), приобретенной М.Ю. Карисаловым специально для ГМИИ имени А.С. Пушкина. Она также изобилует маргиналиями. В статье представлен анализ некоторых из них. Все экземпляры с пометами оцифрованы. Изучение книг и расшифровка маргиналий продолжается.
Abstract
In 2019 twenty five books which used to belong to Alexandre Benois were revealed in the collection of the Research library of The State Pushkin Museum of Fine Arts. They were sоld to the Museum by Evgeny Lanceret in 1935. Most of the books have marginals on the pages, written by A. Benois in German and French. The marginals show the manner of Benois` reading, his high erudition and creative comprehension of the text. In autumn 2020 the collection of Benois` books was enhanced by the “Autobiography” of W. Tischbein (Berlin,1922) bought especially for the Pushkin Museum by M. Karisalov. There are numerous marginals in it as well. Now all the books with marginals are digitalized. The studying of the books and the deciphering of the marginal is going on.
Для цитирования:
Малинковская О.Б. Книги Александра Николаевича Бенуа в Научной библиотеке ГМИИ имени А.С. Пушкина // Academia. 2022. № 1. С. 121–131. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-1-1-121-131
Курляндский акцент. Памяти В.Р. Аронова (1941-2022)
Аннотация
Статья посвящена научной деятельности и памяти специалиста в области теории и истории мирового дизайна Владимира Рувимовича Аронова, его тесному сотрудничеству с художниками и дизайнерами Латвии.
Abstract
The article is devoted to the scientific activity and memory of a specialist in the field of theory and history of world design Vladimir R. Aronov, his close cooperation with Latvian artists and designers.
Для цитирования:
Добичинс И. Курляднский акцент. Памяти В.Р. Аронова (1941-2022) // Academia. 2022. № 1. С. 132–134. DOI: 10.37953/2079-0341-2022-1-1-132-134
2021 / 4
К 95-летию Ирины Алексеевны Смирновой
Аннотация
Статья посвящена памяти доктора искусствоведения, талантливого ученого Ирины Алексеевны Смирновой. Ученица профессора В.Н. Лазарева, главы кафедры истории искусства в Московском Университете, И.А. Смирнова стала известным специалистом в области искусства Италии эпохи Возрождения. Область ее научных интересов – венецианское ренессансное искусство. Она стала автором многих книг, посвященных этой проблеме. Автор статьи – доктор искусствоведения Е.Д. Федотова, коллега И.А. Смирновой по работе в Научно-исследовательском институте теории и истории изобразительных искусств РАХ – рассказывает о ее профессиональной деятельности и прекрасных человеческих качествах, в том числе готовности всегда помочь молодым специалистам. Текст этой статьи был зачитан 21 октября 2021 года в Институте на Круглом столе, посвященном памяти И.А. Смирновой, для ее коллег и молодых ученых, знающих ее по замечательным книгам, которые вошли в золотой фонд научной литературы по истории искусства.
Abstract
The article is dedicated to the memory of the gifted scientist I. A. Smirnova. Being the pupil of professor V.N. Lazarev, Head of the chair of History of Art in Moscow University, she became the famous specialist in history of the Italian art. Her area of interest was Venetian Renaissance Art and she wrote many books on this subject. E.D. Fedotova, doctor of Art History and the author of this article, a former colleague of I.A. Smirnova in Research Institute of Theory and History of Fine Arts of the Russian Academy of Arts, describes her scientific activity and high moral standards, including her willingness to help young specialists. Text of this article was read on 21st of October 2021 at the meeting hold in memory of I.A. Smirnova in the Institute, for her former colleagues and young scientists, admiring her splendid works.
Для цитирования:
Федотова Е.Д. К 95-летию Ирины Алексеевны Смирновой // Academia. 2021. № 4. C. 326–329. DOI: 10.37953/2079‑0341‑2021‑4‑1‑326‑329