2026 / 2
Аллегории и символы
Аннотация
Использование аллегорий, эмблем и символов, восходящих к западноевропейским источникам, берет начало в русском искусстве во второй половине XVII века. XVIII столетие по праву считается временем расцвета аллегорий, и в это время русское искусство окончательно присоединилось к европейской художественной традиции. Россия во многом восприняла западноевропейскую систему и иконографическую базу аллегорий и символов, однако выработала свою национальную специфику в этой области.
Abstract
The use of allegories, emblems, and symbols derived from Western European sources began in Russian art in the second half of the 17th century. The 18th century is rightfully considered the heyday of allegory, and during this time, Russian art finally aligned itself with the European artistic tradition. Russia largely adopted the Western European system and iconographic base of allegories and symbols, but developed its own national distinctiveness in this area.
Для цитирования:
Завьялова А.Е. Аллегории и символы // Academia. 2026. № 2. С. 216–217. DOI: 10.37953/3033-7615-2026-2-1-216-217, ЕДН: XFIMHC
Ключевые слова
Книга как атрибут аллегории в русском изобразительном искусстве XVIII века
Аннотация
В статье поставлена задача рассмотреть различные варианты использования изображения книги в аллегорическом пространстве живописи и графики в России XVIII столетия. Среди них выделяются образы Истории и Справедливости, в наибольшей степени связанные с государственной тематикой. Сравнение российских и западноевропейских портретов читающей модели позволяет по-новому взглянуть на типологические и иконографические особенности русской живописи Нового времени.
Abstract
The article aims to explore various ways of using the image of the book in the allegorical space of painting and graphic art in 18th-century Russia. Among these, the images of History and Justice stand out as being most closely associated with state-related themes. A comparison of Russian and Western European portraits of a reading model allows us to explore the typological and iconographic features of Russian painting in the modern era.
Для цитирования:
Карев А.А. Книга как атрибут аллегории в русском изобразительном искусстве XVIII века // Academia. 2026. № 2. С. 218–227. DOI: 10.37953/3033-7615-2026-2-1-218-227, ЕДН: AGDIXS
Ключевые слова
Аллегории музыки в скульптурном декоре московской архитектуры конца XVIII – первой трети XIX века
Аннотация
В статье рассмотрены барельефы на фасадах и в интерьерах московских зданий, посвященные музыке. Такой декор включает изображения музыкальных инструментов, а также держащих их аллегорических фигур (музыка, танец, пение) и мифологических персонажей (музы, Амур, Геркулес Мусагет), которые в широком смысле воспринимались как аллегории музыки. Танцующие, поющие и музицирующие фигуры часто размещались в танцевальных залах, что подчеркивало назначение этих помещений. Установлено, что лира являлась наиболее распространенным элементом скульптурного декора московской архитектуры эпохи ампира.
Abstract
The article examines reliefs on the façades and in the interiors of Moscow buildings dedicated to music. These decorations include images of musical instruments, as well as allegorical figures holding them (Music, Dance, and Song), and mythological characters (the Muses, Cupid, and Hercules Musarum), all of whom were understood, in a broad sense, as allegories of music. Dancing, singing, and playing music figures were often placed in ballrooms, emphasizing the function of these spaces. The study establishes that the lyre was the most widespread element of sculptural decoration in Moscow architecture of the Empire period.
Для цитирования:
Царёва С.М. Аллегории музыки в скульптурном декоре московской архитектуры конца XVIII – первой трети XIX века // Academia. 2026. № 2. С. 228–244. DOI: 10.37953/3033-7615-2026-2-1-228-244, ЕДН: DFDRWN
Ключевые слова
К проблеме влияния западноевропейской эмблематики на русское искусство второй половины XVII – начала XVIII века
Аннотация
В статье рассматривается специфика взаимодействия отечественного искусства последнего периода русского Средневековья с западноевропейской эмблематической культурой: как заимствование отдельных элементов (символов), так и обращение к методу символико-аллегорического мышления в целом. На избранных примерах исследуется уровень проникновения западной эмблематики в разные виды русского искусства второй половины XVII – начала XVIII века (иконопись, стенопись, гравюра, резьба иконостасов), а также степень самостоятельности русских мастеров в интерпретации инославных символических образов.
Abstract
The paper addresses the specific ways in which Russian art of the late medieval period interacted with Western European emblematic culture, encompassing both the borrowing of individual elements (symbols) and the general embrace of symbolic-allegorical thinking. On the basis of selected examples, the author investigates the degree of penetration of Western emblematics into various types of Russian art of the second half of the 17th – early 18th centuries (icon painting, murals, engraving, iconostasis carving), as well as the degree of independence with which Russian artists interpreted foreign and heterodox symbolic subtext.
Для цитирования:
Гамлицкий А.В. К проблеме влияния западноевропейской эмблематики на русское искусство второй половины XVII – начала XVIII века // Academia. 2026. № 2. С. 245–272. DOI: 10.37953/3033-7615-2026-2-1-245-272, ЕДН: NCCEWF
Ключевые слова
«Аллегория живописи» Андрея Матвеева и персонификации живописи во фламандском и голландском искусстве XVII – начала XVIII века
Аннотация
В литературе картина А.М. Матвеева «Аллегория живописи» (1725, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург) получила неоднозначные оценки: отмечается ее принципиально важное историческое значение как одного из первых светских непортретных произведений, созданных русскими мастерами, однако говорится о нехватке живописного мастерства у молодого художника и отсутствии оригинальности в его замысле. Связь композиции с западноевропейской аллегорической традицией констатируется как нечто само собой разумеющееся, без подробного сравнения с работами предшественников и современников. В этой статье произведение русского художника сопоставляется с аллегорическими персонификациями Живописи (Pictura, Schilderkunst) в искусстве Голландии и Фландрии «Золотого века». Делается вывод о том, что источником вдохновения и иконографической основой для работы Матвеева послужили многочисленные и весьма разнообразные аллегории фламандских и голландских мастеров, при этом он не копировал и не цитировал буквально кого-либо из предшественников.
Abstract
In the scholarship devoted to the artist, Andrei Matveev’s The Allegory of Painting (1725, State Russian Museum, St Petersburg) has received mixed assessments: its fundamental historical significance as one of the first secular non-portrait works created by a Russian master has been widely acknowledged, yet critics have also noted the young artist’s insufficient painterly skill and the lack of originality in his conception. The connection between the composition and the Western European allegorical tradition has generally been treated as self-evident, without detailed comparison to the works of either predecessors or contemporaries. The article compares the Russian artist’s painting with allegorical personifications of Painting (Pictura, Schilderkunst) in the art of the Dutch and Flemish Golden Age. It argues that Matveev drew inspiration and the iconographic basis for his work from the numerous and highly diverse allegories created by Flemish and Dutch masters, while refraining from directly copying or literally quoting any particular predecessor.
Для цитирования:
Акимов С.С. «Аллегория живописи» Андрея Матвеева и персонификации живописи во фламандском и голландском искусстве XVII – начала XVIII века // Academia. 2026. № 2. С. 273–285. DOI: 10.37953/3033-7615-2026-2-1-273-285, ЕДН: BSSTBT
Эмблемы и гербы в творчестве А.П. Лосенко
Аннотация
Статья посвящена анализу нескольких известных картин А.П. Лосенко с точки зрения эмблематики и геральдики. Детали этих произведений позволяют глубже понять их смысл, а также охарактеризовать тот символический контекст, в котором они создавались. Так, на «Портрете Ф.Г. Волкова» представлены не только традиционные атрибуты Мельпомены и Талии, но и фигуры его герба, утвержденного уже после смерти актера. Это позволяет сдвинуть датировку портрета на более поздний период. В картине «Владимир и Рогнеда» особенности изображения головного убора и меча Владимира показывают его статус и определяют специфику конкретного образа. Лев на щите на картине «Прощание Гектора с Андромахой» отсылает к западноевропейской фантазийной геральдике героев древности, которая могла быть знакома А.П. Лосенко. В целом эти примеры демонстрируют богатый круг эмблематических и геральдических символов, актуальный для творчества художника.
Abstract
The article is devoted to the analysis of several well-known paintings by Anton Pavlovich Losenko from the perspective of emblematics and heraldry. The details of these works allow us to gain a deeper understanding of their meaning and to characterize the symbolic context in which they were created. Thus, Portrait of F.G. Volkov depicts not only the traditional attributes of Melpomene and Thalia, but also figures from the actor’s coat of arms, which was granted only after his death. This allows to shift the dating of the portrait to a later period. In the painting Vladimir and Rogneda, the particular features of Vladimir’s headdress and sword indicate his status and define the specific character of the image. The lion on the shield in Hector’s Farewell to Andromache refers to the fanciful Western European heraldry of heroes of antiquity, with which Losenko may have been familiar. These examples demonstrate the rich range of emblematic and heraldic symbols that were significant for the artist’s work.
Для цитирования:
Пчелов Е.В. Эмблемы и гербы в творчестве А.П. Лосенко // Academia. 2026. № 2. С. 286–302. DOI: 10.37953/3033-7615-2026-2-1-286-302, ЕДН: RFEOWC
Ключевые слова
Аллегории Европы и Азии А.Н. Бенуа для Казанского вокзала: традиции и новаторство
Аннотация
Статья посвящена программе и источникам аллегорий Европы и Азии, выполненных А.Н. Бенуа в виде эскизов для торцевых панно в зале ресторана I и II класса Казанского вокзала в Москве. Установлено, что Бенуа взял за основу плафон Дж.Б. Тьеполо для Парадной лестницы Вюрцбургского дворца, использовав, вслед за итальянским мастером, слона в качестве атрибута Азии. Он также привлекал графические источники шинуазри и китайские декоративные предметы. В состав свиты Европы Бенуа включил писателей и героев литературных произведений, что является принципиальным новшеством в создании аллегорий этого континента.
Abstract
The article is devoted to the program and sources of the allegories of Europe and Asia created by Alexander Benois as sketches for the end wall panels in the first- and second-class restaurant hall of Kazansky Railway Station in Moscow. It has been established that Benois based his compositions on Giovanni Battista Tiepolo’s ceiling painting for the Grand Staircase of the Würzburg Residence, adopting from the Italian master the elephant as an attribute of Asia. He also drew upon graphic chinoiserie sources and Chinese decorative objects. In the retinue of Europe, Benois included writers and literary characters, which constituted a significant innovation in the creation of allegories of this continent.
Для цитирования:
Завьялова А.Е. Аллегории Европы и Азии А.Н. Бенуа для Казанского вокзала: традиции и новаторство // Academia. 2026. № 2. С. 303–311. DOI: 10.37953/3033-7615-2026-2-1-303-311, ЕДН: EGTZUG
Ключевые слова
Лубок «Ступени человеческого века» и его западноевропейские источники
Аннотация
В статье рассматривается русский лубок XIX – начала XX века, представляющий этапы жизни как «ступени человеческого века». Особое внимание уделено особенностям трактовки деталей, наделенных символическим смыслом и переходящих из одного произведения в другое на протяжении столетий. В некоторых случаях эти детали трансформируются, однако сохраняют свое смысловое значение. Западноевропейские источники восходят по крайней мере к началу XIV столетия – правда, с изображением колеса жизни, а не ступеней (Псалтырь Роберта де Лиля из собрания Британской библиотеки). Самым ранним печатным листом, близким к композиции «Ступеней человеческого века», известным нам на сегодняшний день, является немецкая раскрашенная гравюра 1482 года из собрания Британского музея. Листы западноевропейской работы в разных вариантах композиции издавались вплоть до начала XX века. Ряд деталей был заимствован русскими граверами, но нередко в общую схему привносились новые черты. В первую очередь это касается трактовки персонажей, их одежды и занятий.
Abstract
The article examines the 19th- and early 20th-century Russian lubok depicting the stages of life as the “ladder of human life”. Particular attention is paid to the interpretation of details endowed with symbolic meaning and recurring from one work to another over the course of centuries. In some cases these details undergo transformation while retaining their semantic significance. The Western European sources of the composition date back at least to the early 14th century, although they depict the wheel of life rather than steps (the Robert de Lisle Psalter from the collection of the British Library). The earliest printed sheet known to us today that is close to the composition of The ladder of human life lubok is a hand-colored German engraving of 1482 from the collection of the British Museum. Western European prints in various compositional versions continued to be published until the beginning of the 20th century. Russian engravers borrowed a number of details, though new features were often introduced into the overall scheme. This applies primarily to the interpretation of the figures, their clothing, and their occupations.
Для цитирования:
Звездина Ю.Н. Лубок «Ступени человеческого века» и его западноевропейские источники // Academia. 2026. № 2. С. 312–324. DOI: 10.37953/3033-7615-2026-2-1-312-324, ЕДН: EVPOPS
Ключевые слова
Акрофонические шифры в декоративной вышивке и ювелирном искусстве первой половины XIX века
Аннотация
В статье анализируется происхождение акрофонических шифров в европейском и русском вышивальном и ювелирном искусстве первой половины XIX века. Акрофония рассматривается как форма эволюции «тайных языков», уходящая корнями не только в древние системы письма, но и в восточный селам. Приводятся авторские расшифровки цветочных акрограмм в вышивке.
Abstract
The article analyzes the origins of acrophonic ciphers in European and Russian embroidery and jewelry art during the first half of the 19th century. Acrophony is examined as a form of evolution of “secret languages”, with roots extending not only to ancient writing systems but also to the Eastern selam tradition. The author presents original decodings of floral acrograms found in embroidery.
Для цитирования:
Пушкина Ю.А. Акрофонические шифры в декоративной вышивке и ювелирном искусстве первой половины ХIX века // Academia. 2026. № 2. С. 325–338. DOI: 10.37953/3033-7615-2026-2-1-325-338, ЕДН: UJHLUX
Ключевые слова
Внутренняя эмиграция как мотив деятельности группы «Коллективные действия»
Аннотация
В статье рассматривается феномен внутренней эмиграции как один из мотивов деятельности группы «Коллективные действия» и, более широко, московской концептуальной школы. На основе анализа акций группы, а также текстов и воспоминаний Ильи Кабакова, Андрея Монастырского, Виктора Агамова-Тупицына и Эдуарда Лимонова показывается, как пространственная удаленность акций формирует особое топологическое измерение их художественной практики. Понятие «внутренней эмиграции» соотносится с практиками московских концептуалистов, в которых мотив бегства от подавляющей системы и попытки «спрятаться» от реальности проявляется в широком спектре художественных стратегий. Делается вывод о том, что внутреннюю эмиграцию в данном контексте можно рассматривать как форму коллективной художественной самоорганизации.
Abstract
The article examines the phenomenon of internal emigration as one of the central motifs in the activities of the Collective Actions group and, more broadly, in the Moscow Conceptualist school. Drawing on an analysis of the group’s actions, as well as the writings and memoirs of Ilya Kabakov, Andrei Monastyrsky, Viktor Agamov-Tupitsyn, and Eduard Limonov, the study demonstrates how the spatial distance of these actions creates a distinctive topological dimension of their artistic practice. The concept of internal emigration is related to the practices of Moscow conceptualists, in which the impulse to escape an oppressive system and the attempt to “hide” from reality are manifested through a wide range of artistic strategies. The article concludes that, in this context, internal emigration may be understood as a form of collective artistic self-organization.
Для цитирования:
Артамонов Д.В. Внутренняя эмиграция как мотив деятельности группы «Коллективные действия» // Academia. 2026. № 2. С. 339–349. DOI: 10.37953/3033-7615-2026-2-1-339-349, ЕДН: POWHDK
Академические музы под покровительством престола: аллегорический образ правителя – покровителя художеств
Аннотация
В статье рассматриваются аллегорические композиции второй половины XVIII – начала XIX века, прославляющие российских и европейских правителей в роли покровителей искусств и наук, а также основателей или реформаторов своих национальных академий художеств. Воплощавшиеся средствами живописи, рисунка, гравюры, скульптуры и опиравшиеся на традицию предшествующих столетий, эти произведения демонстрировали родство содержательных программ вкупе с индивидуальными стилистическими и образными особенностями изобразительного языка. Утверждая непреходящую значимость высочайшего патроната искусствам, они раскрывали для современников существенный аспект политики просвещенной власти, равно как и грани феномена академического содружества муз.
Abstract
The article examines allegorical compositions of the second half of the 18th and early 19th centuries that honour Russian and European rulers as patrons of the arts and sciences, as well as founders or reformers of their national academies of fine arts. Executed in painting, drawing, engraving, and sculpture, and rooted in the tradition of previous centuries, these works demonstrate the affinity of their thematic programms alongside individual stylistic and figurative features of visual language. By accentuating the high and enduring value of the patronage of the arts by enlightened rulers, they conveyed to contemporaries valuable insights into the politics of enlightened rule, as well as into the academic community of the Muses.
Для цитирования:
Марисина И.М. Академические музы под покровительством престола: аллегорический образ правителя – покровителя художеств // Academia. 2026. № 2. С.350–372. DOI: 10.37953/3033-7615-2026-2-1-350-372, ЕДН: MDQVAM
Ленинградский период становления художника Станислава Бабикова
Аннотация
Станислав Геннадьевич Бабиков родился в городе Ржев Тверской области в семье художника, но вскоре после его рождения семья переехала в Ашхабад. Так С.Г. Бабиков оказался навсегда связан с туркменской землей. Тем не менее, одиннадцать из сорока трех прожитых им лет он отдал учебе в Ленинграде. Этот период, до сих пор еще не оказывавшийся в центре внимания исследователей, стал ключевым для становления творческого почерка художника. Поначалу он находился под влиянием реализма ленинградской художественной школы, но впоследствии нашел себя в совсем другой стилистике, основанной на интересе к сезаннизму в его ориентальной интерпретации, а также на связи с современными ему находками западных живописцев.
Abstract
Stanislav Babikov was born in the town of Rzhev, Tver region, into the family of an artist, but soon after his birth the family moved to Ashgabat. Thus, Stanislav Babikov became permanently connected with the land of Turkmenistan. Nevertheless, eleven of the forty-three years of his life were spent studying Leningrad. These years, which have never before been the focus of scholarly attention, played an important role in the formation of the artist’s creative style. Initially, he worked under the influence of the realism of the Leningrad school of painting, but later found his own artistic language in a markedly different stylistic approach, shaped by an interest in Cézannism in its oriental interpretation, as well as by an engagement with the innovations of contemporary Western painters.
Для цитирования:
Хаирова В.Ш. Ленинградский период становления художника Станислава Бабикова // Academia. 2026. № 2. С. 373–385. DOI: 10.37953/3033-7615-2026-2-1-373-385, ЕДН: KJHNWD
Ключевые слова
Давид Бурлюк в Белой столице. Омск. 1919
Аннотация
Статья посвящена выступлениям Давида Бурлюка в Омске во время «Большого Сибирского турне» в 1919 году. В этот маршрут вошли Златоуст, Сатка, Миасс, Уфа, Екатеринбург, Троицк, Челябинск, Курган, Омск, Томск, Черемхово, Иркутск, Чита, Никольск-Уссурийский, Владивосток – города, в которых установилась антибольшевистская власть. Бурлюк выступал с лекциями о футуризме, устраивал выставки картин, издал газету и футуристический сборник своих стихов. Омск занимает в их числе ведущее место. Освещаются малоизвестные факты, определяется круг знакомых, рассматривается вопрос о значении просветительских гастролей Бурлюка для омской творческой молодежи.
Abstract
The article is devoted to the performances of David Burliuk in Omsk during his Great Siberian Tour in 1919 which also included Zlatoust, Satka, Miass, Ufa, Ekaterinburg, Troitsk, Chelyabinsk, Kurgan, Tomsk, Cheremkhovo, Irkutsk, Chita, Nikolsk-Ussuriysky, and Vladivostok – cities where the anti-Soviet governments were established. Burliuk gave lectures on Futurism, organized exhibitions of paintings, published a newspaper and a Futurist collection of his poems. Omsk occupies a leading position among the mentioned cities. Little-known facts are highlighted, the circle of acquaintances is determined, and the significance of Burliuk’s educational tours for the Omsk creative youth is examined.
Для цитирования:
Девятьярова И.Г. Давид Бурлюк в Белой столице. Омск. 1919 // Academia. 2026. № 2. С. 386–400. DOI: 10.37953/3033-7615-2026-2-1-386-400, ЕДН: YBIHCK
Ключевые слова
Другой М.А. Врубель. К вопросу об атрибуции портрета деда художника
Аннотация
Статья написана по материалам атрибуции, проведенной автором в отделе рукописей Государственного Русского музея и утвержденной на атрибуционном заседании в 2021 году. В ней определялись личность человека, изображенного на одном из листов фонда художника М.А. Врубеля, и даты всего архивного документа, содержащего два портрета. Продолжение исследования позволило получить дополнительные результаты и значительно расширить представление о предках выдающегося мастера по мужской линии: деде, генерал-лейтенанте российской императорской армии Михаиле Антоновиче Врубеле, и бабушке Екатерине Васильевне (урожденной Мелковской).
Abstract
The article is based on an attribution study carried out by the author in the Department of Manuscripts of the State Russian Museum and approved at the attribution committee meeting in 2021. The study identified a person depicted on one of the sheets from the archive of M.A. Vrubel and established the date of the archival document containing two portraits. Further research has yielded additional findings and significantly expanded our knowledge of the outstanding artist’s paternal ancestors: his grandfather, Mikhail Antonovich Vrubel, a lieutenant general in the Imperial Russian Army, and his grandmother, Ekaterina Vasilyevna Vrubel (née Melkovskaya).
Для цитирования:
Чурилова Е.Б. Другой М.А. Врубель. К вопросу об атрибуции портрета деда художника // Academia. 2026. № 2. С. 401–416. DOI: 10.37953/3033-7615-2026-2-1-401-416, ЕДН: EVSKPA
«Великий невроз» в искусстве Франции. Обзор книги Д.О. Мартыновой
Аннотация
Рецензия знакомит с монографией Д.О. Мартыновой «„Великий невроз“ в искусстве Франции второй половины XIX века». Автор исследует патологический дискурс и феномен истерии, анализируя влияние этой медицинской проблемы на французское изобразительное искусство XIX столетия. В своей работе Д.О. Мартынова прослеживает историю психиатрии и показывает ее отражение в творчестве Тони Робера-Флери, Огюста Родена, Фелисьена Ропса, Анри де Тулуз-Лотрека и других мастеров.
Abstract
The review introduces the monograph by Darya Martynova, titled “The Great Neurosis in France Art of the second half of the 19th century”. The author explores pathological discourse and the phenomenon of hysteria, analyzing the impact of this medical issue on 19th-century French visual arts. In her study, Darya Martynova traces the history of psychiatry and demonstrates how it was reflected in the work of Tony Robert-Fleury, Auguste Rodin, Félicien Rops, Henri de Toulouse-Lautrec, and other masters.
Для цитирования:
Лопаткина М.А. «Великий невроз» в искусстве Франции. Обзор книги Д.О. Мартыновой // Academia. 2026. № 2. С. 417–425. DOI: 10.37953/3033-7615-2026-2-1-417-425, ЕДН: FJHKSQ
Гравюры Альбрехта Дюрера в творчестве Мстислава Добужинского
Аннотация
Актуальность темы статьи обусловлена тем, что гравюры Альбрехта Дюрера еще не становились объектом специального изучения как художественные источники творчества Мстислава Добужинского. Научная новизна работы заключается в первой попытке комплексного анализа влияния графики Дюрера на визуальный язык Добужинского. Проводится сопоставление изобразительных мотивов в рисунках Добужинского для журналов «Шут» и «Мир искусства», восходящих к гравюрам на дереве Дюрера, в иллюстрациях к пьесе Александра Пушкина «Скупой рыцарь» и повести Михаила Кузмина «Чудесная жизнь Иосифа Бальзамо, графа Калиостро». В статье обсуждается вывод автора о том, что обращение Добужинского к гравюрам Дюрера было эпизодическим, но происходило в периоды интенсивных творческих исканий.
Abstract
The relevance of the article is determined by the fact that engravings by Albrecht Dürer have never been the object of special research as artistic sources of Mstislav Dobuzhinsky’s work. The scientific novelty of this article lies in the fact that it is the first attempt to analyze the influence of Dürer’s prints on Dobuzhinsky’s work. The author applies a complex method that combines a source analysis of the artist’s memoirs and formal analysis of his works with Dürer’s works. The article compares visual motifs in Dobuzhinsky’s drawings for the magazines “Shut” (Jester) and “Mir Iskusstva” (World of Art), going back to Dürer’s woodcuts, in illustrations for A. Pushkin’s play “The Miserly Knight” and M. Kuzmin’s story “The Wonderful Life of Joseph Balsamo, Count Cagliostro”. The author comes to the conclusion that Dobuzhinsky’s appeal to Dürer’s engravings was episodic, but occurred during periods of intense creative quest.
Для цитирования:
Завьялова А.Е. Гравюры Альбрехта Дюрера в творчестве Мстислава Добужинского // Academia. 2026. № 2. С. 426–435. DOI: 10.37953/3033-7615-2026-2-1-426-435, ЕДН: AVKUFM
2026 / 1
Ордера архитектуры и тяжесть оловянного солдатика: вопросы тектоники в творчестве Л.И. Таруашвили
Текст посвящен анализу научного наследия Леонида Иосифовича Таруашвили (1946–2022) ‒ исследователя, сыгравшего важную роль в переосмыслении классической традиции в архитектуре, искусстве и поэзии. В центре внимания ‒ его работы об архитектурном ордере и тектоническом начале в античном мировосприятии, прежде всего в гомеровском эпосе и его новоевропейских переводах. Рассматривается вклад Таруашвили в понимание ордера как выражения ценностей веса, усилия и устойчивости, а также его анализ трансформации античных образов в культуре Нового времени, где тектоническое начало постепенно уступает место образам легкости, полета и нематериальности. Особое внимание уделено сопоставлению гомеровского текста «Одиссеи» с переводом Александра Поупа как показательному примеру смены художественного и телесного восприятия образа. Делается вывод о принципиальной значимости трудов Таруашвили для понимания генезиса классической ордерной системы и глубинных сдвигов в европейском мировоззрении.
Ревзина Ю.Е. Ордера архитектуры и тяжесть оловянного солдатика: вопросы тектоники в творчестве Л.И. Таруашвили // Academia. 2026. № 1. С. 7–11. DOI: 10.37953/2079-0341-2026-1-1-7-11, ЕДН: UVDACT
Ключевые слова
Таруашвили «Бертель Торвальдсен и проблемы классицизма»
Публикация содержит критический обзор монографии Л.И. Таруашвили, посвященной творчеству Бертеля Торвальдсена. В тексте анализируются ключевые идеи автора, опубликованные издательством «БуксМАрт» в 2024 году, и определяется роль исследования в контексте искусствоведческого анализа классицизма.
Якимович А.К. Таруашвили «Бертель Торвальдсен и проблемы классицизма» // Academia. 2026. № 1. С. 12–22. DOI: 10.37953/2079-0341-2026-1-1-12-22, ЕДН: SQJFQG
Ключевые слова
Идея атектоники в древнегреческой поэзии: Алкей, метафора «крушения корабля в бурю»
Статья посвящена развитию методологических идей Л.И. Таруашвили в контексте сопоставительного анализа визуальных и словесных структур; обосновывается значимость категории атектоники для интерпретации аллегорических образов, демонстрируются аналитические возможности этого подхода применительно к античному тексту греческого лирического поэта Алкея (626/620 ‒ после 580 г. до н.э.) [Alc. 208], стихи которого стали источником известной метафоры «кораблекрушение в морской буре» / «корабль-государство», получившей широкое развитие в европейской литературе. Образы морской катастрофы: «буря ветров; вода на дне судна; сломанная мачта; разорванный парус; ноги едва могут держаться» создают «атектоническую экспрессию» (Таруашвили), определяющую стилистику описания кораблекрушения.
Савельева О.М. Идея атектоники в древнегреческой поэзии: Алкей, метафора «крушения корабля в бурю» // Academia. 2026. № 1. С. 23–29. DOI: 10.37953/2079-0341-2026-1-1-23-29, ЕДН: RXYWUF
Ключевые слова
Осмысление европейской классики в архитектуре Японии с эпохи Мэйдзи до наших дней
Стремительная модернизация Японии, начавшаяся в эпоху Мэйдзи (1868), в архитектуре находила свое выражение в освоении европейских классических образцов. В этот период европейская классика стала символом новой эпохи, она ассоциировалась с могуществом, стабильностью и авторитетом крупнейших европейских столиц, ставших продолжателями великой традиции Римской империи. Освоение классических образцов европейской архитектуры воспринималось как доказательство поднятия статуса страны до уровня мировой державы, равной западным империям. В современной архитектуре Японии классический подход также актуален, но уже в значительно переосмысленном виде. Для современных японских зодчих он стал, скорее, сутью философии проектирования – не набором классических элементов, а живой системой создания гармонии между зданием, человеком и миром.
Коновалова Н.А. Осмысление европейской классики в архитектуре Японии с эпохи Мэйдзи до наших дней // Academia. 2026. № 1. С. 30–41. DOI: 10.37953/2079-0341-2026-1-1-30-41, ЕДН: URYNFH
Ключевые слова
Античные пластические формулы «репрезентации героя» в русской живописи конца XVIII – первой трети XIX века
Основываясь на идее «формул пафоса» Аби Варбурга, выражающих различные эмоциональные состояния через движение, жесты, позы человеческого тела, автор рассматривает использование некоторых «телесных формул» античной скульптуры для репрезентации героя в русской живописи конца XVIII – первой трети XIX столетия. Эти стилизованные мотивы, восходящие к знаменитым статуям Древней Греции и Рима и выступающие в качестве визуального кода, позволяют точнее интерпретировать смысл художественного высказывания в исторической картине или в парадном портрете эпохи классицизма. Для анализа взяты произведения И.А. Акимова, Д.Г. Левицкого, А.А. Иванова, О.А. Кипренского и других мастеров.
Морозова С.С. Античные пластические формулы «репрезентации героя» в русской живописи конца XVIII – первой трети XIX века // Academia. 2026. № 1. С. 42–53. DOI: 10.37953/2079-0341-2026-1-1-42-53, ЕДН: VVJHHF
Ключевые слова
Загородные дома Джона Нэша: трансформация классической традиции под воздействием эстетики живописного
Cтатья посвящена раннему творчеству Джона Нэша, а именно его работам в области усадебного строительства; в центре внимания – соотношение планировки загородного дома с его фасадной композицией и стилистическим решением в целом. В результате рассмотрения этой проблемы выявлено заметное влияние эстетики живописного стиля (пикчуреска) на творческий метод архитектора.
Соколова М.В. Загородные дома Джона Нэша: трансформация классической традиции под воздействием эстетики живописного // Academia. 2026. № 1. С. 54–63. DOI: 10.37953/2079-0341-2026-1-1-54-63, ЕДН: HZTMAC
Античные мифологемы в итальянской живописи начала ХХ века
В статье исследуются античные мифологемы в итальянской живописи периода либерти в контексте европейского модерна и символизма, а также проводится их сопоставительный ассоциативный анализ с искусством античности. Приводится ряд малоизученных произведений настенной и станковой живописи итальянских художников, в которых всестороннее проанализированы характерные моменты пересечения с античными мифами и образами. Сделаны выводы об амбивалентности интерпретаций античности в итальянской живописи начала ХХ века: в своем творчестве художники вдохновлялись ее наследием, но одновременно применяли синтетический подход, выраженный в индивидуальных, инновационных композиционных структурах и зашифрованности образов, обусловленных символизмом, а также использовали методы экспрессии, стилизации, упрощения формы и художественный инструментарий, сообразный внутренней идее каждого произведения.
Штольдер Н.В. Античные мифологемы в итальянской живописи начала ХХ века // Academia. 2026. № 1. С. 64–74. DOI: 10.37953/2079-0341-2026-1-1-64-74, ЕДН: BEKYAL
Ключевые слова
История создания образа «Моление о Чаше» Михаила Врубеля
В статье предпринята попытка прояснить обстоятельства создания полотна М.А. Врубеля «Моление о Чаше» (1887, Национальный музей «Киевская картинная галерея»). Автор кратко останавливается на истории села Большая Мотовиловка, исследует обстоятельства пребывания художника в имении Тарновских летом – осенью 1887 года. Опираясь на воспоминания современников Врубеля, публикациях краеведов о православных и католических храмах в Большой Мотовиловке, автор приходит к выводу, что полотно «Моление о Чаше» предназначалось, с большой долей вероятности, для костела во имя Иисуса Христа, молящегося перед страданиями.
Агеева Н.Е. История создания образа «Моление о Чаше» Михаила Врубеля // Academia. 2026. № 1. С. 75–87. DOI: 10.37953/2079-0341-2026-1-1-75-87, ЕДН: PLQAKT
Античные темы и образы в московской портретной скульптуре ХХ века
Творческое обращение, в явной или опосредованной форме, к наследию античной пластики неизменно сопутствовало плодотворному развитию русской скульптуры ХХ века в целом и ее портретного жанра в частности. Данную выразительную тенденцию наглядно подтвердило искусство таких выдающихся мастеров первой половины ХХ столетия, как Анна Голубкина, Николай Андреев, Сергей Коненков, Александр Матвеев, Владимир Домогацкий, Вера Мухина, Иван Шадр, Иосиф Чайков. Затем эту линию продолжили и закрепили уже во второй половине ХХ века Сара Лебедева, Матвей Манизер, Владимир Цигаль, Вячеслав Клыков, Лев Матюшин, Татьяна Соколова, Виктор Губко, Михаил Переяславец, Дмитрий Тугаринов и другие. При этом стилевое преломление античных тем и образов происходило в широком диапазоне – от модерн-классицизма начала ХХ столетия до «классицизирующего» модернизма и даже постмодернизма конца прошедшего века.
Грибоносова-Гребнева Е.В. Античные темы и образы в московской портретной скульптуре ХХ века // Academia. 2026. № 1. С. 88–101. DOI: 10.37953/2079-0341-2026-1-1-88-101, ЕДН: CODUYB