Серия гравюр «Притча о добром самарянине» (1610‒1625) в «Theatrum biblicum» Класа Висхера (Библии Пискатора). Штрихи к истории раннего голландского пейзажа
Аннотация
В статье исследуется серия из четырех гравюр «Притча о добром самарянине» в составе увража «Theatrum biblicum» (1639, 1643, 1650, 1674), известного в России как «Библия Пискатора». Серия не привлекала к себе внимания исследователей. Как удалось установить, гравюры были выполнены в 1610–1625 гг. в мастерской братьев Ассуеруса и Яна Лондерзеел в Роттердаме. Обнаружено, что композиции гравюр серии скомбинированы из разных источников – пейзажи взяты из гравюр по оригиналам Яна Брейгеля Старшего и Пауля Бриля, выполненных членами известной семьи граверов Саделер: Эгидием II, Яном I, Рафаэлем I в 1590‑е годы, а фигуры персонажей – с гравюр работы Криспейна ван де Пассе I на тему той же притчи (1588–1589) по оригиналам Ханса Бола.
Abstract
The article examines a series of four engravings “The Parable of the Good Samaritan” as part of the theatrum biblicum (1639, 1643, 1650, 1674), known in Russia as the “Piscator Bible”. The series did not attract the attention of researchers. As we were able to establish, the engravings were made in 1610–1625 in the workshop of the brothers Assuerus and Jan Londerseel in Rotterdam. It was discovered that the compositions of the engravings of the series were combined from different sources ‒ the landscapes were taken from engravings based on the originals of Jan Brueghel the Elder and Paul Bril, madex by members of the famous Sadeler family of engravers: Aegidius II, John I, Raphael I in the 1590s, and the figures of the characters were taken from engravings by Crispijn van de Passe I on the theme of the same parable (1588–1589) based on the originals by Hans Bol.
Для цитирования:
Гамлицкий А.В. Серия гравюр «Притча о добром самарянине» (1610‒1625) в «Theatrum biblicum» Класа Висхера (Библии Пискатора). Штрихи к истории раннего голландского пейзажа // Academia. 2024. № 1. C. 7–17. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-7-17
Стилистические тенденции середины XIX века в работах учеников пейзажного класса Московского училища живописи и ваяния
Аннотация
Статья посвящена художественному развитию пейзажного жанра в Московском училище живописи и ваяния (МУЖВ) на раннем этапе его существования (1840–1850-е). Хронологически данный период совпал с важными процессами в эволюции русской пейзажной живописи середины XIX века. На примере локальной по сравнению с общим историко-искусствоведческим контекстом ситуации в исследовании выявляются типичные ориентиры тех художественных поисков, внутри которых постепенно вызревали устойчивые черты московской школы пейзажа. Основной акцент в статье поставлен на произведениях малоизвестных художников (Л.Л. Каменева, В.Ф. Аммона, М.И. Бочарова и др.) – учеников пейзажной мастерской МУЖВ, до 1857 года руководимой К.И. Рабусом. Композиции учеников МУЖВ этого времени, сочетающие композиционные элементы и живописные приемы классицистического и романтического пейзажа с новыми реалистическими мотивами, анализируются с точки зрения стилистической эволюции пейзажной живописи, что позволяет детальнее изучить переходный этап становления русского национального пейзажа.
Abstract
The article is devoted to the artistic development of the landscape genre at the Moscow School of Painting and Sculpture at an early stage of its existence (1840–1850s). Chronologically, this period coincided with important processes in the evolution of Russian landscape painting in the middle of the 19th century. On the example of a local situation in comparison with the general historical and art history context, the study reveals the typical landmarks of those artistic searches, within which the stable features of the Moscow school of landscape gradually matured. The main emphasis in the article is placed on the works of little-known artists (L.L. Kamenev, V.F. Ammon, M.I. Bocharov, etc.) – students of the landscape workshop of the Moscow School of Painting and Sculpture, led by Karl Rabus until 1857. The Moscow School compositions of that time, combining elements and pictorial techniques of the classicistic and romantic landscape with new realistic motifs, are analyzed from the point of view of the stylistic evolution of landscape painting, which makes it possible to study in more detail the transitional stage in the formation of the Russian national landscape.
Для цитирования:
Суровяткина Е.А. Стилистические тенденции середины XIX века в работах учеников пейзажного класса Московского училища живописи и ваяния // Academia. 2024. № 1. C. 18–42. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-18-42
Развитие пейзажной концепции И.С. Остроухова в произведениях 1880‒1890-х годов
Аннотация
В статье анализируется формирование пейзажной концепции И.С. Остроухова в 1880–1890-е годы. Начиная работать в традициях искусства передвижников, художник постепенно вырабатывает собственную образно-пластическую систему, обогащаемую новыми достижениями русской живописи. Почувствовав близкие по духу идеи времени, Остроухов сумел по-своему оценить их и выразить в индивидуальной живописно-пластической форме. Природа изображается художником в переходные моменты времен года, что определяет драматургическую и композиционную структуру его произведений. Избранный мотив задает натурную и эмоционально-смысловую основу многочисленным этюдам И.С. Остроухова, которые синтезируются, корректируются творческим замыслом и определяют лирико-поэтическую содержательность его пейзажных образов.
Abstract
TThe article analyzes the formation of the landscape concept of Ilya Ostroukhov in the 1880‒90s. Starting the work in the traditions of the art of the Peredvizhniki, (The Itinerants) he gradually developed his own figurative system, enriched by new achievements in Russian painting. He took their like-minded ideas close to his heart, but managed to evaluate them in his own way and he was often the first to express them in a pictorial form. Nature is depicted by the artist in the transitional moments of the seasons, which determines the dramatic and compositional structure of his works. The chosen motif enriched by the relevant observations and impressions becomes the basis for Ilya Ostroukhov’s numerous studies, which are synthesized and corrected by the creative concept, forming the lyrical and poetic content of his landscapes.
Рымшина Т.А. Развитие пейзажной концепции И.С. Остроухова в произведениях 1880‒1890-х годов // Academia. 2024. № 1. C. 43–67. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-43-67
Пейзажное начало в творчестве А.И. Сави́нова дореволюционного периода
Аннотация
В статье рассматривается значение пейзажа в наследии художника Александра Ивановича Савинова (1882–1942) дореволюционного периода; дается анализ наиболее известных работ мастера, в которых пейзажный жанр играет важную роль. Автор сопоставляет пейзажи А.И. Савинова с произведениями его современников, представителей «саратовской школы» и академического направления, и прослеживает развитие пейзажного жанра в творчестве художника, заметно эволюционировавшего от пленэризма и импрессионистических поисков к модерну.
Abstract
The article examines the significance of landscape in the pre-revolutionary art of Alexander Savinov (1882–1942), analyzes the master’s most famous creations, in which the landscape genre plays an important role. The author compares Savinov’s landscapes with the works of his contemporaries, representatives of the Saratov school and the academic direction, and traces the development of the landscape genre in the artist’s work from Impressionism to Art Nouveau.
Для цитирования:
Ступина А.С. Пейзажное начало в творчестве А.И. Савинова дореволюционного периода // Academia. 2024. № 1. C. 68–85. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-68-85
Коллекция первого художника Арктики А.А. Борисова в собрании музейного объединения Архангельска
Аннотация
В статье дан обзор и предложена научная классификация живописи и графики Александра Алексеевича Борисова (1866–1934) из собрания Государственного музейного объединения «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск) – крупнейшей коллекции первого художника-путешественника в Арктике. Работы А.А. Борисова стали основой для создания единственного в своем роде Музея художественного освоения Арктики, носящего имя художника и хранящего в своих фондах большую часть его выявленных работ. В задачи музея входит не только сохранение и изучение историко-культурного наследия северной полярной области земли, но и исследование творчества уникального по своей пейзажной тематике мастера, образная система которого рождалась в непосредственном взаимодействии с реальной природой Арктики.
Abstract
The article gives a review and offers an academic classification of the paintings and drawings by Alexander Alexeevich Borisov (1866–1934) from the collection of the State Museum Association “Art Culture of the Russian North” (Arkhangelsk), the largest collection of the first artist-traveller in the Arctic. A.A. Borisov’s work laid the foundation for a unique Museum of Artistic Exploration of the Arctic, bearing the artist’s name and keeping in its funds most of his identified works. The museum’s objectives are not only to preserve and study the historical and cultural heritage of the northern polar region of the Earth, but also to explore the work of the master, unique in his landscape themes, whose imagery system was born in direct interaction with the real Arctic nature.
Катышев И.А. Коллекция первого художника Арктики А.А. Борисова в собрании музейного объединения Архангельска // Academia. 2024. № 1. C. 86–101. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-86-101
К вопросу о своеобразии творческого метода Николая Крымова
Аннотация
В статье рассматривается творческий метод Николая Петровича Крымова (1884–1958) с позиции эволюции жанровых форм. В рамках жанровой системы Крымова можно с определенностью охарактеризовать как пейзажиста. Но сами эти рамки претерпевают трансформацию в искусстве символизма и модерна. Творческий метод Крымова можно рассматривать как своего рода вариант неоклассицизма. Он разрабатывает типологию объемно-пространственной композиции, подобно пуссеновским «модусам». Творчество Крымова сопоставимо с работами его современников-архитекторов, таких как И.А. Фомин или И.В. Жолтовский. Как эти мастера сумели добиться органичности в применении ордерных форм, так и Крымов, используя традиционно жанровую фабулу, строит собственную живописную архитектонику, проектируя разнообразные ансамбли на основе единой типологии композиционных приемов.
Abstract
The paper examines the creative method of Nikolay Petrovitch Krymov (1884–1958) viewed from the standpoint of the evolution of genre forms. Within the framework of the genre system, Krymov can be unambiguously characterized as a landscape artist. But these genre boundaries undergo some transformations in the art of Symbolism and Art Nouveau. Krymov’s creative method can be considered as a kind of neoclassical. He develops a typology of three-dimensional composition, like Poussin’s ‘modes’. Krymov’s creations could be compared to the works of his fellow architects such as Ivan Fomin or Ivan Zholtovsky. Just as these masters managed to achieve organic use of order forms, so Krymov, using the traditional genre plot, builds his own pictorial architectonics based on a single typology of compositional techniques.
Мережников А.Н., Стихина М.И. К вопросу о своеобразии творческого метода Николая Крымова // Academia. 2024. № 1. C. 102–116. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-102-116
Папка фотографий Беньямина Земаха: личные обстоятельства известных фотографий
Аннотация
Статья рассматривает ключевые вопросы современной практики атрибуции произведений из истории российской фотографии на примере атрибуции памятника «Папка Цемаха» из собрания Музея изобразительных искусств г. Хьюстона, США, а именно: возможность атрибутирования имен, уточнение датировок при перекрестно-сравнительном анализе памятников. В составе исследуемого памятника соединились произведения русских фотографов-художников 1920-х годов, принадлежавших к разным поколениям, но объединенных деятельностью в рамках «Искусства движения» и ГАХН. В статье очерчен метод построения перекрестного анализа произведений при атрибуции группы памятников. Атрибутированный памятник предстает источником для историков искусства, историков фотографии, истории русского театра, включая театр «Габима», для изучения преподавания метода Станиславского и русского балета в США. Также на основе проведенной атрибуции возникает возможность проведения физиогномической атрибуции героев фотографии с привлечением других памятников модернистской фотографии России и Германии 1920-х годов. «Папка Цемаха» позволяет проследить эволюцию представлений о героях русского балета в 1920-е−1930-е годы и маршруты эмиграции танцовщиков из Советской России в Западную Европу и США.
Abstract
The article examines key issues in the contemporary practice of attributing works from the history of Russian photography, using the example of attributing the so called “Zemach’s Folder” from the collection of the Museum of Fine Arts in Houston, USA. Specifically, it addresses the possibility of attributing names and refining dates through cross-comparative analysis of monuments. The set of the folder combines works of Russian photographers-artists from the 1920s, belonging to different generations but united by their activity within the Art of Movement and the State Academy of Arts (GAKhN). The article outlines the method of conducting cross-comparative analysis of works when attributing a group of monuments. The attributed monument serves as a source for art historians, historians of photography and historians of Russian theater, including the Habima Theater, for studying the teaching methods of Stanislavsky and Russian ballet in the USA. Moreover, based on the conducted attribution, there is an opportunity to perform physiognomic attribution of the characters in the photograph by involving other monuments of modernist photography in Russia and Germany from the 1920s. “The Zemach’s Folder” traces the evolution of perceptions of characters in Russian ballet in the 1920s−1930s and the routes of emigration of dancers from Soviet Russia to Western Europe and the USA.
Чмырева И.Ю. Папка фотографий Беньямина Цемаха: личные обстоятельства известных фотографий // Academia. 2024. № 1. С. 117−132. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-117-132
П.С. Коган и организация художественных выставок СССР в Италии в 1920-е годы
Аннотация
Фигура Петра Семеновича Когана, историка литературы и критика, президента Государственной академии художественных наук (ГАХН), в научных исследованиях рассматривается в контексте истории русской и западноевропейской литературы, истории Государственной академии художественных наук. До настоящего момента деятельность П.С. Когана в области организации международных выставок 1920-х годов не освещалась. В статье дана оценка вклада П.С. Когана в работу над выставками СССР в Италии в 1920-х годах. Основой для исследования послужили архивные документы Российского государственного архива литературы и искусства, которые публикуются впервые.
Abstract
The role of Pyotr Semenovich Kogan, a literary historian and critic, and the President of the State Academy of Arts Sciences (GAHN), is examined in scholarly research within the context of Russian and Western European literature history, as well as the history of the State Academy of Arts Sciences. Until now, Kogan’s involvement in organizing international exhibitions in the 1920s has not been extensively explored. The article evaluates Pyotr Semenovich Kogan’s contribution to the organization of Soviet exhibitions in Italy during the 1920s. The study is based on archival documents from the Russian State Archive of Literature and Art, which are being published for the first time.
Безрукова Н.Б. П.С. Коган и организация художественных выставок СССР в Италии в 1920-е годы // Academia. 2024. № 1. C. 133–139. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-133-139
Защита Лодыгина: пейзаж как компенсаторный механизм в жизни художника
Аннотация
Статья посвящена творческому пути художника Сергея Петровича Лодыгина (1892–1948) в послереволюционный период, участию в журнальных и книжных изданиях. В 1920-е годы он был признан одним из лучших в то время отечественных иллюстраторов. Новизна публикации – в акценте, поставленном на роли пейзажного жанра в творчестве Сергея Лодыгина. Диапазон творческого самовыражения художника показывает, что журнальная, книжная и плакатная графика мастера не являлись единственной сферой его интересов в искусстве. Не менее значим вклад художника в развитие русского пейзажа, послужившего для Лодыгина своеобразным психологическим ресурсом, помогавшим ему преодолевать тяготы и угрозы эпохи и сохранять собственную идентичность.
Abstract
The paper is devoted to the creative path of the artist Sergei Petrovich Lodygin (1892–1948) in the post-revolutionary period, his work in magazines and book publications. In the 1920s, he was recognized as one of the best Russian illustrators at that time. This particular publication focuses mainly on Lodygin’s landscape paintings. Analyzing the ups and downs of fate, the sources of the pictorial manner and what can be found from the relatively small artistic legacy of Lodygin that has survived to this day, the author shows that the artist’s magazine, book and poster graphics are not the only area of his interests in art. No less significant is the artist’s contribution to the development of Russian landscape, which served for Lodygin as a kind of psychological resource that helped him overcome the hardships and threats of the epoch and preserve his own identity.
Голубинов В.В.. Защита Лодыгина: пейзаж как компенсаторный механизм в жизни художника // Academia. 2024. № 1. C. 140–153. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-140-153
Импрессионистические опыты в пейзажных этюдах Я.Ф. Ционглинского
Аннотация
Статья посвящена анализу пейзажных работ Я.Ф. Ционглинского. Он был увлечен этюдом как самостоятельной формой, начиная со второй половины 1880-х годов. Свои живописные задачи художник пытался реализовать не только во время пленэров в Петербурге и его окрестностях, но и во время частых путешествий в южные восточные страны, где можно было в полной мере насладиться солнцем и воздухом. В серии палестинских, египетских и индийских этюдов Ционглинского, которые ныне входят в собрания не только Государственной Третьяковской галереи и Государственного Русского музея, но и национальных музеев в Варшаве и Кракове, проявились новые цветовые решения и свободный взгляд на натуру. В статье рассматриваются характерные особенности эволюции творческой манеры Ционглинского, вводятся в научный оборот новые сведения о жизни и деятельности мастера.
Abstract
The paper analyses landscape works by Jan Ciaglinsky, who from the second half of the 1880s, was fascinated by etude as an independent form. He tried to solve his painting tasks not only during plein-airs in St Petersburg and its environs, but also during frequent travels to southern and eastern countries, where one could fully enjoy the sun and air. In a series of Palestinian, Egyptian and Indian studies by Ciaglinsky, which now form part of the collection not only of State Tretyakov Gallery and State Russian Museum, but also of the National Museums of Warsaw and Krakow, new color schemes and a free look at nature manifested itself. The article discusses the characteristic features of the evolution of Ciaglinsky’s creative manner, as well as introduces new information about the life and work of the master into academic circulation.
Гуренович М.А. Импрессионистические опыты в пейзажных этюдах Я.Ф. Ционглинского // Academia. 2024. № 1. C. 154–165. DOI: 10.37953/2079-0341-2024-1-1-154-165